Jef Verheyen — Fenêtre sur l’infini

Si important pour le monde de l’art européen et pourtant peu connu en Belgique : l’artiste flamand Jef Verheyen (1932-1984) fait son retour à Anvers. Quarante ans après sa mort, le KMSKA présente la première exposition individuelle consacrée à cet illustre maître de l’art moderne dans sa ville natale. Une première.

Jef Verheyen. Fenêtre sur l’infini suit de près l’évolution de ce maître moderne. Nous voyons comment il passe des expériences de céramique à la peinture, en affinant constamment le médium. Dans la lumière et l’obscurité, dans la forme et la couleur. De nouvelles recherches d’archives révèlent comment Verheyen comble le fossé entre tradition et innovation, entre présent et futur. À la recherche de l’essence, dans l’infini. Tout pour nous faire regarder différemment, et voir davantage. Et que cela soit désormais la devise du KMSKA.

Réservez votre billet

Mouvement, couleur et lumière

Lorsque tu te trouves devant une œuvre de Verheyen, il semble que des particules, telles des nuages, glissent doucement devant toi. Toutes les couleurs entre le noir et le blanc apparaissent dans des arcs de lumière et des arcs-en-ciel insaisissables, des arcs-en-ciel solaires et lunaires, parfois sous forme de diamant, parfois dans une composition complexe. Dans des couleurs vives, Verheyen peint des hommages à Claude Monet (1840-1926) et Vincent van Gogh (1853-1890), des chercheurs de lumière apparentés.

« Dans mes céramiques comme dans mes peintures, j’ai essayé d’atteindre une sorte d’essence au-delà de la forme. »

Retentissement contemporain

Afin de mettre en exergue le rôle de Verheyen en tant que pionnier d’une nouvelle expérience d’art, les commissaires de l’exposition ont également invité des artistes contemporains. Les installations d’Ann Veronica Janssens, de Kimsooja, de Carla Arocha & Stéphane Schraenen et de Pieter Vermeersch renforceront ainsi l’expérience spatiale et l’émerveillement visuel du visiteur.

Jef Verheyen. Vue vers l’infini est une collaboration entre deux musées partenaires anversois, le KMSKA et le M HKA (Musée d’Art contemporain d’Anvers).  Cette exposition est le résultat de recherches approfondies menées par le M HKA en collaboration avec le Jef Verheyen Archief.

Le dernier moderniste

Comme beaucoup de crises majeures, la Seconde Guerre mondiale représente un tournant pour les arts. Verheyen et d’autres artistes de sa génération s’interrogent : quelle est l’essence de l’art ? Ils réfléchissent de manière conceptuelle à l’histoire de l’art. Le désir grandit de pousser l’art plus loin, sans pour autant rejeter le passé. Il s’agit de briser les cloisons entre les disciplines. Beaucoup de ses contemporains abandonnent la peinture alors que Verheyen s’y tient.

Verheyen se sent proche de la recherche du conceptuel, mais nourrit en même temps un grand amour pour l’artisanat. Pourtant, Verheyen est un enfant de son temps. L’idée que l’on se fait de la peinture a fondamentalement changé. En peignant sans coups de pinceau, en couches lavées, il envoie délibérément le regard du spectateur au-delà de la peinture, vers la lumière, vers l’infini. Il faut regarder au-delà de la surface plane, regarder à travers elle. Dans le vide, ou l’espace. La course à l’espace entre les États-Unis et la Russie fait rage à l’époque.

« Je peins pour voir. »

Verheyen traduit d’abord ces intérêts dans ses céramiques. À partir de 1957, on voit apparaître dans ses premières peintures des cercles, des arcs de demi-lune et des sphères. La jeune peinture américaine, avec son expressionnisme abstrait, peut également être considérée comme une source d’inspiration. Jackson Pollock (1912-1956) s’inspire également de la tradition orientale qui consiste à peindre debout, le support posé sur le sol, comme pour créer des marques calligraphiques.

Monochromie en identiteit

En 1957, c’est le grand tournant. À 25 ans, Verheyen s’installe dans la métropole moderne de Milan, où il rencontre Lucio Fontana (1899-1968), peintre, sculpteur et théoricien italo-argentin. Verheyen voit en Fontana et son Concetto Spaziale une âme sœur pour explorer l’aspect spatial de l’art.

Dès 1946, dans le Manifesto Blanco, Fontana préconise une autre façon d’aborder le temps et l’espace. Fontana est beaucoup plus âgé que Verheyen, mais tous deux sont sur la même longueur d’onde, si l’on en croit les lettres qu’ils s’écrivent. À Milan, Verheyen noue également des liens avec les artistes Roberto Crippa (1921-1972) et Piero Manzoni (1933-1963).

L’impact de l’art achrome de Manzoni sur l’œuvre de Verheyen ne s’est pas fait attendre. La peinture labyrinthique et cosmique a cédé la place à des monochromes purs, peints avec une seule couleur, une nouvelle sorte d’essence. Le monochrome noir Le Voile du Mystère (1958-1959) est une œuvre clé de cette évolution.

« Le noir m’a toujours semblé plus important que le blanc. Le noir est donc la matière elle-même. Le blanc est la matière séparée de la matière. Sans poussière. L’espace complet. Le noir est une couleur morte. »

Pour ses amis milanais, Verheyen est un ‘véritable artiste flamand’. Cet élan international de la tradition artistique flamande est une révélation pour l’artiste. Verheyen a déjà adopté la technique de glaçage de Jan van Eyck (1390-1441). Avec le slogan L ligt de universaliteit in de traditie, Verheyen et Englebert Van Anderlecht (1918-1961) ont même fondé la Nouvelle école flamande en 1960. Verheyen tente ainsi de faire d’Anvers une sorte de hotspot de l’avant-garde internationale.

D’autre part, il commence à donner à ses tableaux des titres comme Espace Flamand, avec lesquels Verheyen semble trouver un moyen de gérer son identité en tant que peintre flamand. Là encore, il s’agit davantage d’une idée de la Flandre, telle qu’il la voit par exemple dans les paysages de Constant Permeke (1886-1952), que de l’observation d’un lieu particulier.

Mouvement, couleur et lumière

Les peintres monochromes pensent que les pigments peuvent à eux seuls suggérer le mouvement. Pollock doit balancer son pinceau pour obtenir le mouvement. Verheyen, Yves Klein (1928-1962) et consorts ont une autre approche du « mouvement ».

Devant une œuvre de Verheyen, on a l’impression que des particules, comme des nuages, semblent glisser doucement. Il s’agit d’une sorte de mouvement statique, généré par la peinture et la technique. Verheyen y voit un écho dans les champs de couleurs de Mark Rothko (1903-1970).

À partir du début des années 1960, Verheyen intègre davantage de couleurs et de lumière. Si vous laissez un prisme réfracter la lumière, vous obtenez un spectre de couleurs. L’artiste estime qu’il n’est pas nécessaire de peindre tout le spectre pour créer l’illusion que les couleurs manquantes sont bien présentes. C’est ce qu’on appelle la panchromie. Toutes les couleurs entre le noir et le blanc apparaissent dans des arcs de lumière insaisissables et des arcs de soleil, de pluie et de lune, parfois en forme de diamant, parfois dans une composition composite. Dans des couleurs vives, Verheyen rend hommage à Claude Monet (1840-1926) et à Vincent van Gogh (1853-1890), deux chercheurs de lumière. La lumière de Verheyen est à nouveau plus une idée, un sens, que la lumière qu’il voit de la fenêtre de son atelier, ce qui fait de lui un artiste abstrait. Il fait référence à James Ensor (1860-1940), qui, à un stade avancé de sa vie, a réalisé des dessins et des peintures dans des tons pastel très clairs.

Verheyen se sent proche de la recherche du conceptuel, mais nourrit en même temps un grand amour de l’artisanat. Pourtant, Verheyen est un enfant de son temps. L’idée de ce que peut être la peinture a fondamentalement changé. En peignant sans coups de pinceau, en couches lavées, il envoie délibérément le regard du spectateur au-delà de la peinture, vers la lumière, vers l’infini. Il faut regarder au-delà de la surface plane, regarder à travers elle. Dans le vide, ou l’espace. La course à l’espace entre les États-Unis et la Russie fait rage à l’époque.

« Les impressionnistes voient d’abord la lumière, puis ils sentent , moi, je sens d’abord, puis je vois. Je crois que Monet s’est personnifié avec la couleur pure. »

Mouvement ZERO et coopération

En explorant le phénomène de la ‘lumière’, Jef Verheyen se rapproche du mouvement ZERO en Italie, en Allemagne, en Suisse, en France et aux Pays-Bas. Sur le front de la peinture, ils travaillent avec des lampes, des réflecteurs et des miroirs.

Malgré la différence de pratique artistique, Verheyen trouve dans le mouvement des compagnons avec lesquels il peut collaborer sur le plan multimédia. Il se présente comme un conservateur et fait appel à son réseau international pour des concepts globaux dans lesquels l’artisanat, la science, l’art et l’architecture fusionnent. Jef Verheyen place l’Anvers de l’après-guerre sur la carte aux côtés de Milan, Paris, Düsseldorf et Amsterdam.

Fontana, Van Anderlecht et Hermann Goepfert (1926-1982) sont les partenaires de rêve qui mettent leurs épaules sous les formes d’art hybrides. Au sein du groupe d’artistes ZERO, c’est surtout avec Günther Uecker (°1930) que Verheyen se lie d’amitié. Fraternellement, ils organisent l’exposition en plein air Paysages flamands à la campagne à Mullem en 1967. Le duo place un grand cadre de fenêtre dans le paysage pour diriger le regard vers le ciel, comme une fenêtre tangible sur l’infini. Il s’agit d’une dématérialisation complète de l’art et de l’une des interventions les plus conceptuelles de la carrière de Verheyen. Cette performance ne s’arrête pas là. L’artiste crée également de petites versions portant des titres tels que Le Vide et Le Plein, et intègre également le ‘bornage du néant’ dans sa peinture.

« Une fenêtre bien placée aujourd’hui peut contenir plus de mystère que mille bougies et deux statues du Christ. »

ZERO International Anvers

En 1979, Jef Verheyen a été le commissaire de l’exposition ZERO International Antwerp au KMSKA. Au cours des années suivantes, le musée a acheté plusieurs œuvres de membres du mouvement ZERO, souvent auprès des artistes eux-mêmes, dont Verheyen. Cet ensemble international est le dernier à faire partie intégrante de la collection du musée et comprend des noms tels que Lucio Fontana et Günther Uecker, des amis de Verheyen.

Cathédrales de lumière et géométrie

Après avoir expérimenté les archétypes, la couleur et la lumière, Verheyen recentre son regard sur les formes dans ces années 1960 si fertiles. Il introduit les tondos, des tableaux ronds qui, dans l’histoire de l’art italien, sont plus élevés que les tableaux classiques. En même temps, le cercle est une forme infinie, qui a aussi une valeur symbolique en Orient. Avec un triptyque comme les Cathédrales de lumière, Verheyen réunit ses recherches sur la couleur, la lumière et la forme (gothique).

La diminution de la lumière entraîne une augmentation de l’obscurité, et inversement. Pour Verheyen, le jour et la nuit sont comme la respiration du monde qu’il veut représenter. Les phénomènes naturels et les éléments de base que sont la terre, l’air, le feu et la lumière deviennent son alpha et son oméga. De ces éléments de base, il tire même un film expérimental, un premier film d’artiste, Essential, qui a sa place dans l’exposition.

Entre-temps, Verheyen continue à chercher la lumière qui est différente partout. Il s’éloigne du paysage flamand pour se rendre au Brésil, au Mexique, en Espagne, en Italie. Enfin, en 1974, il quitte Anvers pour la Provence.

Verheyen trouve dans les mathématiques et la philosophie grecque la base de l’harmonie et de l’espace idéal. Les formes géométriques de base ou les lignes de perspective sont les fondements des dernières peintures de Verheyen. Entre 1980 et 1984, il transforme, entre autres, des miroirs en forme de losange en trompe-l’œil. Les formes semblent flotter dans un espace illimité, comme une fenêtre sur l’infini. Le cercle est complet.

Diminuer la lumière, c’est augmenter l’obscurité », et vice versa. Pour Verheyen, le jour et la nuit sont comme la respiration du monde qu’il veut représenter. Les phénomènes naturels et les éléments de base que sont la terre, l’air, le feu et la lumière deviennent son alpha et son oméga. De ces éléments de base, il tire même un film expérimental, un premier film d’artiste, Essential, qui a sa place dans l’exposition.

Entre-temps, Verheyen continue à chercher la lumière qui est différente partout. Il s’éloigne du paysage flamand pour se rendre au Brésil, au Mexique, en Espagne, en Italie. Enfin, en 1974, il quitte Anvers pour la Provence.

Verheyen trouve dans les mathématiques et la philosophie grecque la base de l’harmonie et de l’espace idéal. Les formes géométriques de base ou les lignes de perspective sont les fondements des dernières peintures de Verheyen. Entre 1980 et 1984, il transforme, entre autres, des miroirs en forme de losange en trompe-l’œil. Les formes semblent flotter dans un espace illimité, comme une fenêtre sur l’infini. Le cercle est complet.

Maîtres contemporains

Verheyen a exploré une autre façon de vivre l’art, ce qui semble évident aujourd’hui. Mais est-ce le cas ? Comment les artistes d’aujourd’hui traitent-ils de l’infini, de la lumière ou de la couleur ? Ann Veronica Janssens, Kimsooja, Pieter Vermeersch et le tandem Carla Arocha-Stéphane Schraenen relèvent le défi avec des installations lumineuses dynamiques ou des tableaux-miroirs. Tout comme Verheyen, ils franchissent les limites de la peinture pour stimuler l’émerveillement visuel du visiteur.

Constructeur de ponts

Les archives Jef Verheyen ont trouvé leur place au Centrum Kunstarchieven Vlaanderen (CKV) du M HKA. Des lettres, journaux, essais et manifestes, Verheyen ressort clairement comme un bâtisseur de ponts. Avec un grand amour pour l’art de Jan van Eyck, par exemple, dont le KMSKA possède deux œuvres. En même temps, le peintre estime que l’idée est plus importante que l’exécution. Jef Verheyen. Fenêtre sur l’infini montre les aspects conceptuels de l’art de Verheyen, généralement sous-exposés, et fait ainsi office de trait d’union entre le KMSKA et le M HKA, entre la tradition et l’innovation.

Jef Verheyen. Fenêtre sur l’infini est une collaboration entre deux musées partenaires anversois, le KMSKA et le M HKA (Museum voor Hedendaagse Kunst Antwerpen).  Cette exposition est le résultat d’une recherche approfondie menée par le M HKA en collaboration avec les archives Jef Verheyen.

Conservateurs : Adriaan Gonnissen (KMSKA) & Annelien De Troij (M HKA)